Zdjęcie: dzięki uprzejmości Naturhistorisches Museum

Ta maleńka figurka mierząca nieco ponad cztery cale wysokości, będąca rzeźbą historii sztuki, została odkryta w Austrii w 1908 roku. Nikt nie wie, jaką funkcję pełniła, ale domysły wahały się od bogini płodności po pomoc w masturbacji. Niektórzy uczeni sugerują, że mógł to być autoportret wykonany przez kobietę. Jest to najsłynniejszy z wielu tego typu obiektów pochodzących ze starej epoki kamienia.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości CC/Wiki Media/Philip Pikart

Ten portret jest symbolem kobiecego piękna, odkąd odkryto go po raz pierwszy w 1912 roku w ruinach Amarny, stolicy zbudowanej przez najbardziej kontrowersyjnego faraona w historii starożytnego Egiptu: Echnatona. Życie jego królowej, Nefertiti, owiane jest tajemnicą: uważa się, że po śmierci Echnatona przez pewien czas rządziła jako faraon – lub, co bardziej prawdopodobne, jako współregentka małego króla Tutanchamona. Niektórzy egiptolodzy uważają, że w rzeczywistości była matką Tuta. Uważa się, że to popiersie z wapienia pokryte sztukaterią jest dziełem Tutmozisa, nadwornego rzeźbiarza Echnatona.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Odkryta w 1974 roku Armia Terakotowa to ogromny zbiór glinianych posągów zakopanych w trzech masywnych dołach w pobliżu grobowca Shi Huanga, pierwszego cesarza Chin, który zmarł w 210 rpne. Według niektórych szacunków armia, mająca chronić go w zaświatach, liczy ponad 8000 żołnierzy, 670 koni i 130 rydwanów. Każdy z nich jest naturalnej wielkości, chociaż rzeczywista wysokość różni się w zależności od stopnia wojskowego.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości CC/Wiki Media/LivioAndronico

Być może najsłynniejsza rzeźba starożytnego Rzymu,Laokoon i jego synowiezostał pierwotnie odkopany w Rzymie w 1506 roku i przeniesiony do Watykanu, gdzie znajduje się do dziś. Opiera się na micie o kapłanie trojańskim zabitym wraz ze swoimi synami przez węże morskie wysłane przez boga morza Posejdona w ramach odwetu za próbę Laokoona zdemaskowania podstępu konia trojańskiego. Ta figuratywna grupa naturalnej wielkości, zainstalowana pierwotnie w pałacu cesarza Tytusa, przypisywana trzem greckim rzeźbiarzom z wyspy Rodos, nie ma sobie równych jako studium ludzkiego cierpienia.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Dawid Michała Anioła, jedno z najbardziej znanych dzieł w historii sztuki, ma swoje korzenie w większym projekcie mającym na celu udekorowanie przypór wielkiej katedry we Florencji, Duomo, grupą postaci zaczerpniętych ze Starego Testamentu. TheDawidbył jednym i faktycznie został zapoczątkowany w 1464 roku przez Agostino di Duccio. Przez następne dwa lata Agostino udało się zgrubnie obrobić część ogromnego bloku marmuru wyciosanego ze słynnego kamieniołomu w Carrarze, zanim zatrzymał się w 1466 roku. (Nikt nie wie dlaczego). Inny artysta nadrobił zaległości, ale on też tylko krótko nad tym pracował. Marmur pozostał nietknięty przez następne 25 lat, aż Michał Anioł wznowił jego rzeźbienie w 1501 roku. Miał wtedy 26 lat. Ukończony David ważył sześć ton, co oznaczało, że nie można go było wciągnąć na dach katedry. Zamiast tego wystawiono go tuż przed wejściem do Palazzo Vecchio, ratusza we Florencji. Postać ta, będąca jedną z najczystszych destylacji stylu wysokiego renesansu, została natychmiast przyjęta przez florencką opinię publiczną jako symbol oporu własnego miasta-państwa wobec skierowanych przeciwko niemu sił. W 1873 rDawidprzeniesiono do Galerii Accademia, a w pierwotnym miejscu zainstalowano replikę.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Uznawany za twórcę stylu wysokorzymskiego baroku, Gian Lorenzo Bernini stworzył to arcydzieło do kaplicy w kościele Santa Maria della Vittoria. Barok był nierozerwalnie związany z kontrreformacją, poprzez którą Kościół katolicki próbował powstrzymać falę protestantyzmu, która przetoczyła się przez XVII-wieczną Europę. Dzieła takie jak dzieło Berniniego były częścią programu potwierdzania dogmatów papieskich, czemu dobrze służył tutaj geniusz Berniniego w nasycaniu scen religijnych dramatyczną narracją.Ekstazajest tego przykładem: jej bohaterka – św. Teresa z Ávila, hiszpańska karmelitanka i mistyczka, która napisała o swoim spotkaniu z aniołem – jest przedstawiona w chwili, gdy anioł ma zamiar wbić strzałę w jej serce.EkstazaErotyczny podtekst jest niewątpliwy, co widać przede wszystkim po orgazmicznej minie zakonnicy i wijącym się materiale owijającym obie postacie. Jako architekt i artysta, Bernini zaprojektował także oprawę kaplicy z marmuru, sztukaterii i farby.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

Włoski artysta Antonio Canova (1757–1822) uważany jest za najwybitniejszego rzeźbiarza XVIII wieku. Jego prace uosabiały styl neoklasyczny, jak widać w jego marmurowej interpretacji greckiego mitycznego bohatera Perseusza. Canova stworzył dwie wersje tego dzieła: jedna znajduje się w Watykanie w Rzymie, a druga w Dziedzinie Rzeźby Europejskiej Metropolitan Museum of Art.

Foto: Metropolitan Museum of Art

Choć mistrz impresjonizmu Edgar Degas jest najbardziej znany jako malarz, zajmował się także rzeźbą, tworząc prawdopodobnie najbardziej radykalne dzieło w jego twórczości. W stylu DegasaMała czternastoletnia tancerkaz wosku (z którego po jego śmierci w 1917 r. odlano kolejne kopie w brązie), ale fakt, że Degas ubrał tytułowego bohatera w prawdziwy kostium baletowy (w komplecie ze stanikiem, tutu i kapciami) oraz perukę z prawdziwych włosów wywołał sensację, gdyTancerzzadebiutował na VI Wystawie Impresjonistów w 1881 roku w Paryżu. Degas zdecydował się pokryć większość swoich ozdób woskiem, aby pasował do pozostałych rysów dziewczyny, ale zatrzymał tutu i wstążkę przewiązującą jej włosy, czyniąc figurę jednym z pierwszych przykładów znalezionego przedmiotu sztuka.Tancerzbyła jedyną rzeźbą, którą Degas wystawił za swojego życia; po jego śmierci w jego pracowni znaleziono jeszcze około 156 egzemplarzy.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości Muzeum Sztuki w Filadelfii

Choć większości ludzi kojarzy się z wielkim francuskim rzeźbiarzem Augustem RodinemMyśliciel, zespół ten upamiętniający wydarzenie podczas wojny stuletniej (1337–1453) między Wielką Brytanią a Francją jest ważniejszy dla historii rzeźby. Zamówiony do parku w mieście Calais (gdzie całoroczne oblężenie Anglików w 1346 r. zostało zniesione, gdy sześciu starszych miejskich oddało się na egzekucję w zamian za oszczędzenie ludności),Mieszczaniezrezygnował z formatu typowego dla ówczesnych pomników: zamiast postaci izolowanych lub ułożonych w piramidę na wysokim cokole, Rodin montował swoje naturalnej wielkości postacie bezpośrednio na ziemi, na poziomie widza. Ten radykalny zwrot w stronę realizmu zerwał z heroicznym traktowaniem, jakim zwykle obdarzano takie prace plenerowe. ZMieszczanieRodin zrobił jeden z pierwszych kroków w kierunku nowoczesnej rzeźby.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości CC/Flickr/Wally Gobetz

W 1912 roku Picasso stworzył tekturową makietę dzieła, które miało ogromny wpływ na sztukę XX wieku. Również w kolekcji MoMA przedstawiał gitarę, temat Picassa często poruszany w malarstwie i kolażu, a pod wieloma względamiGitaraprzeniósł technikę wycinania i wklejania kolażu z dwóch wymiarów do trzech. Zrobiło to samo również w przypadku kubizmu, łącząc płaskie kształty, aby stworzyć wielopłaszczyznową formę o głębokości i objętości. Innowacją Picassa było rezygnacja z konwencjonalnego rzeźbienia i modelowania rzeźby z litej masy. Zamiast,Gitarabył ze sobą połączony niczym konstrukcja. Idea ta odbiłaby się echem od rosyjskiego konstruktywizmu po minimalizm i nie tylko. Dwa lata po zrobieniuGitaraw tekturze, Picasso stworzył tę wersję w wyciętej puszce

Foto: Metropolitan Museum of Art

Od radykalnych początków aż do ostatniego faszystowskiego wcielenia włoski futuryzm szokował świat, ale żadne pojedyncze dzieło nie ilustrowało czystego delirium tego ruchu niż ta rzeźba autorstwa jednego z jego czołowych przedstawicieli: Umberto Boccioniego. Zaczynając jako malarz, Boccioni zaczął pracować w trzech wymiarach po podróży do Paryża w 1913 roku, podczas której zwiedził pracownie kilku awangardowych rzeźbiarzy tamtego okresu, takich jak Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon i Alexander Archipenko. Boccioni zsyntetyzował swoje pomysły w to dynamiczne arcydzieło, które przedstawia kroczącą postać osadzoną w „syntetycznej ciągłości” ruchu, jak to opisał Boccioni. Dzieło zostało pierwotnie wykonane z gipsu i odlane w znanej wersji z brązu dopiero w 1931 r., długo po śmierci artysty w 1916 r. jako członek włoskiego pułku artylerii podczas I wojny światowej.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Urodzony w Rumunii Brancusi był jednym z najważniejszych rzeźbiarzy modernizmu początku XX wieku i jedną z najważniejszych postaci w całej historii rzeźby. Brancusi, będący swego rodzaju protominimalistą, czerpał formy z natury i upraszczał je w abstrakcyjne przedstawienia. Na jego styl wpłynęła sztuka ludowa jego ojczyzny, która często zawierała żywe wzory geometryczne i stylizowane motywy. Nie czynił też rozróżnienia pomiędzy przedmiotem a podstawą, traktując je w niektórych przypadkach jako elementy wymienne – co stanowiło istotne zerwanie z tradycjami rzeźbiarskimi. To kultowe dzieło to portret jego modelki i kochanki, Margit Pogány, węgierskiej studentki sztuki, którą poznał w Paryżu w 1910 roku. Pierwsza wersja została wyrzeźbiona w marmurze, a następnie gipsowa kopia, z której wykonano ten brąz. Sam tynk był wystawiony w Nowym Jorku na legendarnej wystawie Armory Show w 1913 roku, gdzie krytycy wyśmiewali go i podbijali pod pręgierzem. Ale był to także najczęściej powielany utwór w programie. Brancusi pracował nad różnymi wersjamiPani Poganyprzez jakieś 20 lat.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości Muzeum Sztuki Nowoczesnej

Koło Rowerujest uważany za pierwszy z rewolucyjnych gotowych rozwiązań Duchampa. Kiedy jednak ukończył dzieło w swojej paryskiej pracowni, tak naprawdę nie miał pojęcia, jak go nazwać. „Wpadłem na szczęśliwy pomysł, aby przymocować koło od roweru do stołka kuchennego i patrzeć, jak się obraca” – powiedział później Duchamp. Dopiero podróż do Nowego Jorku w 1915 r. i zetknięcie się z ogromną produkcją produkowanych w mieście towarów, wystarczyło, aby Duchamp wymyślił gotowe określenie. Co ważniejsze, zaczął dostrzegać, że tworzenie sztuki w tradycyjny, rzemieślniczy sposób wydawało się bezcelowe w epoce industrialnej. Po co się zawracać sobie tym głowę, stwierdził, skoro powszechnie dostępne produkty przemysłowe mogą spełnić swoje zadanie. Dla Duchampa pomysł stojący za dziełem sztuki był ważniejszy niż sposób jego wykonania. Pojęcie to – być może pierwszy prawdziwy przykład sztuki konceptualnej – całkowicie zmieniłoby historię sztuki w przyszłości. Podobnie jak zwykły przedmiot gospodarstwa domowego, jednak oryginałKoło Rowerunie przetrwało: Ta wersja jest w rzeczywistości repliką z 1951 roku.

Zdjęcie: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, Nowy Jork/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Ukochany element stałej kolekcji Whitney Museum,Cyrk Calderadestyluje zabawną esencję, którą Alexander Calder (1898–1976) wniósł jako artysta, który pomógł ukształtować rzeźbę XX wieku.Cyrk, który powstał podczas pobytu artysty w Paryżu, był mniej abstrakcyjny niż jego wiszące „telefony komórkowe”, ale na swój sposób był równie kinetyczny: wykonany głównie z drutu i drewna,Cyrksłużył jako centralny element improwizowanych występów, podczas których Calder poruszał się wokół różnych postaci przedstawiających akrobatów, połykaczy mieczy, pogromców lwów itp., niczym boski konferansjer.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości Muzeum J. Paula Getty'ego

Jako malarz i projektant gobelinów, a także rzeźbiarz, francuskiego artystę Aristide Maillol (1861–1944) można najlepiej opisać jako współczesnego neoklasycystę, który nadał tradycyjnym grecko-rzymskim rzeźbom opływowy, XX-wieczny styl. Można go również określić jako radykalnego konserwatystę, choć należy pamiętać, że nawet współcześni awangardom, jak Picasso, po I wojnie światowej tworzyli dzieła będące adaptacją stylu neoklasycznego. Tematem Maillola był akt kobiecy, a wLeżestworzył kontrast pomiędzy materialną masą swojej bohaterki a sposobem, w jaki wydaje się ona unosić w przestrzeni – równoważąc, w pewnym sensie, upartą fizyczność z ulotną obecnością.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości CC/Flickr/C-Monster

Kusama, japońska artystka posługująca się wieloma mediami, przybyła do Nowego Jorku w 1957 r., wracając do Japonii w 1972 r. W międzyczasie dała się poznać jako główna postać sceny śródmiejskiej, której sztuka dotykała wielu podstaw, w tym pop-artu i minimalizmu i Sztuka Performance. Jako artystka często nawiązująca do kobiecej seksualności była także prekursorką Sztuki Feministycznej. Prace Kusamy często charakteryzują się halucynogennymi wzorami i powtarzalnością form, skłonnością zakorzenioną w pewnych stanach psychicznych – halucynacjach, zaburzeniach obsesyjno-kompulsyjnych – na które cierpiała od dzieciństwa. Wszystkie te aspekty sztuki i życia Kusumy znajdują odzwierciedlenie w tej pracy, w której zwykły, tapicerowany fotel zostaje w niepokojąco pogrążony w pladze fallicznych wypukłości wykonanych z szytego wypchanego materiału.

Zdjęcie: Whitney Museum of American Art, Nowy Jork, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Marisol Escobar (1930–2016), znana po prostu z imienia, urodziła się w Paryżu w rodzinie Wenezuelczyków. Jako artystka związała się z pop-artem, a później op-artem, choć stylistycznie nie należała do żadnej z tych grup. Zamiast tego stworzyła figuratywne obrazy, które miały być feministyczną satyrą na role płciowe, celebrytę i bogactwo. WKobiety i piespodejmuje kwestię uprzedmiotowienia kobiet i sposobu, w jaki narzucone przez mężczyzn standardy kobiecości są wykorzystywane, aby zmusić je do dostosowania się.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości CC/Flickr/Rocor

Pudełko Brillo jest prawdopodobnie najbardziej znaną z serii dzieł rzeźbiarskich, które Warhol stworzył w połowie lat 60., które skutecznie przeniosły jego badania nad popkulturą w trzech wymiarach. Zgodnie z nazwą, jaką Warhol nadał swojej pracowni – Fabryka – artysta zatrudnił stolarzy do pracy na czymś w rodzaju linii montażowej, polegającej na zbijaniu drewnianych skrzynek w kształcie kartonów z różnymi produktami, w tym Heinz Ketchup, płatkami kukurydzianymi Kellogg's i zupą Campbell's, jak również cóż, mydła Brillo. Następnie pomalował każde pudełko na kolor odpowiadający oryginałowi (biały w przypadku Brillo), a następnie dodał nazwę produktu i logo na sitodruku. Pudełka, tworzone w wielu egzemplarzach, często pokazywano w dużych stosach, skutecznie zamieniając galerię, w której się znajdowały, w wysokiej kulturową kopię magazynu. Ich kształt i produkcja seryjna były być może ukłonem w stronę – lub parodią – rodzącego się wówczas stylu minimalistycznego. Ale prawdziwy sensPudełko Brillopolega na tym, jak bliskie zbliżenie do rzeczywistości podważa konwencje artystyczne, sugerując, że nie ma rzeczywistej różnicy między towarem wyprodukowanym a dziełem pracowni artysty.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości CC/Flickr/Esther Westerveld

Nazwisko Donalda Judda jest synonimem Minimal Art, ruchu z połowy lat 60., który wydestylował racjonalistyczny nurt modernizmu do minimum. Dla Judda rzeźba oznaczała wyartykułowanie konkretnej obecności dzieła w przestrzeni. Pomysł ten został opisany terminem „konkretny przedmiot” i choć inni minimaliści go przyjęli, Judd prawdopodobnie nadał tej idei najczystszy wyraz, przyjmując pudełko jako swoją formę podpisu. Podobnie jak Warhol wytwarzał je jako powtarzające się jednostki, korzystając z materiałów i metod zapożyczonych z produkcji przemysłowej. W przeciwieństwie do puszek z zupą Warhola i Marilyn, sztuka Judda nie odnosiła się do niczego poza sobą. Jego „stosy” należą do jego najbardziej znanych dzieł. Każda składa się z grupy identycznie płytkich skrzynek wykonanych z blachy ocynkowanej, wystających ze ściany, tworząc kolumnę równomiernie rozmieszczonych elementów. Ale Judd, który zaczynał jako malarz, był tak samo zainteresowany kolorem i fakturą, jak formą, co widać tutaj po zabarwionym na zielono lakierze do karoserii nałożonym na przednią powierzchnię każdego pudełka. Judd daje efekt wzajemnego oddziaływania koloru i materiałuBez tytułu (stos)wybredna elegancja, która łagodzi abstrakcyjny absolutyzm.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości CC/Flickr/Rocor

Podobnie jak Benglis, Hesse była artystką, która przefiltrowała postminimalizm przez pryzmat prawdopodobnie feministyczny. Jako Żydówka, która jako dziecko uciekła z nazistowskich Niemiec, eksplorowała formy organiczne, tworząc elementy z przemysłowego włókna szklanego, lateksu i liny, które przywoływały skórę lub ciało, genitalia i inne części ciała. Biorąc pod uwagę jej pochodzenie, kuszące jest doszukanie się w pracach takich jak ta podtekstu traumy lub niepokoju.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości Muzeum Sztuki Nowoczesnej

Podążając za Juddem i Flavinem, grupa artystów odeszła od minimalistycznej estetyki czystych linii. Jako członek pokolenia postminimalistów Richard Serra umieścił koncepcję konkretnego obiektu na sterydach, znacznie zwiększając jego skalę i wagę oraz czyniąc prawa grawitacji integralną z ideą. Tworzył niepewne równoważenia stalowych lub ołowianych płyt i rur ważących tony, co nadawało pracy poczucie zagrożenia. (W dwóch przypadkach riggerzy instalujący elementy Serry zginęli lub okaleczyli się, gdy konstrukcja przypadkowo się zawaliła). W ostatnich dziesięcioleciach dzieło Serry zyskało krzywoliniowe udoskonalenie, które zapewniło mu ogromną popularność, ale na początku działa jak One Ton Prop (House of Cards), na którym znajdują się cztery złączone ze sobą ołowiane płyty, przekazał swoje obawy z brutalną bezpośredniością.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Podążając za ogólnym trendem kontrkulturowym lat 60. i 70. artyści zaczęli buntować się przeciwko komercjalizacji świata galerii, rozwijając radykalnie nowe formy sztuki, takie jak prace ziemne. Znaną również jako land art, czołową postacią tego gatunku był Robert Smithson (1938–1973), który wraz z takimi artystami jak Michael Heizer, Walter De Maria i James Turrel zapuścił się na pustynie zachodnich Stanów Zjednoczonych, aby stworzyć monumentalne dzieła, które działali w porozumieniu z otoczeniem. To podejście specyficzne dla miejsca, jak je nazwano, często wykorzystywało materiały pobrane bezpośrednio z krajobrazu. Podobnie jest w przypadku SmithsonaSpiralne molo, które wpada do Wielkiego Jeziora Słonego w stanie Utah od Rozel Point na północno-wschodnim brzegu jeziora. Wykonane z wydobywanego na miejscu błota, kryształków soli i bazaltu,Środki spiralnego molo1500 na 15 stóp. Przez dziesięciolecia znajdował się pod powierzchnią jeziora, aż do czasu, gdy susza na początku XXI wieku wyciągnęła go ponownie na powierzchnię. W 2017 r.Spiralne molozostał nazwany oficjalnym dziełem sztuki Utah.

Zdjęcie: dzięki uprzejmości CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Popisowe dzieło urodzonego we Francji artysty,Pająkpowstał w połowie lat 90., kiedy Bourgeois (1911-2010) była już po osiemdziesiątce. Występuje w licznych wersjach o różnej skali, w tym także monumentalnych.Pająkma być hołdem złożonym matce artysty, konserwatorce gobelinów (stąd nawiązanie do skłonności pajęczaków do przędzenia sieci).

Shutterstocka

Antony Gormley, zdobywca prestiżowej nagrody Turnera w 1994 r., jest jednym z najbardziej znanych współczesnych rzeźbiarzy w Wielkiej Brytanii, ale jest także znany na całym świecie ze swojego wyjątkowego podejścia do sztuki figuratywnej, w której opierają się duże różnice w skali i stylu, w większości na tym samym szablonie: odlew własnego ciała artysty. Tak jest w przypadku tego ogromnego skrzydlatego pomnika znajdującego się w pobliżu miasta Gateshead w północno-wschodniej Anglii. Usytuowany wzdłuż głównej autostrady,Aniołwznosi się do 66 stóp wysokości i rozciąga się na 177 stóp szerokości od czubka skrzydła do czubka skrzydła. Według Gormleya dzieło to ma być swego rodzaju symbolicznym wyznacznikiem pomiędzy przemysłową przeszłością Wielkiej Brytanii (rzeźba znajduje się w angielskim kraju węglowym, sercu rewolucji przemysłowej) a jej postindustrialną przyszłością.

Dzięki uprzejmości CC/Flickr/Richard Howe

Pieszczotliwie nazywana przez mieszkańców Chicago „Fasolą” ze względu na jej wygięty, elipsoidalny kształt,Chmurna Brama, centralny obiekt sztuki Anisha Kapoora w Parku Milenijnym w Second City, to zarówno dzieło sztuki, jak i architektura, zapewniająca łukowate przejście, które można oglądać na Instagramie dla niedzielnych spacerowiczów i innych gości odwiedzających park. Wykonane ze stali lustrzanej,Chmurna BramaOdblaskowość wesołego miasteczka i duża skala sprawiają, że jest to najbardziej znane dzieło Kapoora.

Dzięki uprzejmości artysty i Greene Naftali, Nowy Jork

Twórczość Rachel Harrison łączy w sobie wyrafinowany formalizm z talentem do nadawania pozornie abstrakcyjnym elementom wielorakich znaczeń, w tym politycznych. Zaciekle kwestionuje monumentalność i związane z nią męskie przywileje. Harrison tworzy większość swoich rzeźb, układając bloki lub płyty styropianu, a następnie pokrywając je mieszanką cementu i malarskich ozdób. Wisienką na torcie jest jakiś przedmiot znaleziony, sam lub w połączeniu z innymi. Doskonałym przykładem jest ten manekin na szczycie wydłużonej, poplamionej farbą formy. Ubrany w pelerynę i maskę Abrahama Lincolna skierowaną do tyłu, dzieło przywołuje teorię historii wielkiego człowieka, przywołując zdobywcę starożytnego świata stojącego wysoko na skale w kolorze klauna.